Терминалы Сбера красиво тормозят Постепенно везде наставили модные терминалы Сбера размером с полтора айфона. На них крутится завораживающая анимация, разные состояния сменяют друг друга плавно — очень красиво. Кассир: — Можете оплачивать! А я не могу: на экране продолжается магия. Что-то выворачивается-переворачивается, и лишь через несколько секунд дизайн отступает и откуда-то выезжает сумма оплаты. Для кассира выглядит так, будто я игнорирую его слова. Вероятно, в его интерфейсе отображается, что терминал готов принимать оплату, и он удивляется, почему я туплю. Но верить ему на слово и прикладывать карточку раньше времени не хочу — нет никаких признаков того, что это сработает, да и я хочу увидеть сумму. В общем, так делать нельзя. Интерфейс не должен тормозить ради красоты.

Glass House Каждый раз прилетая в Штаты я поражаюсь тому, как здесь умеют маркетировать любые места, а ещё как в любой глуши можно найти какой-то уникальный спот, который поразит глубиной. Так, мы взяли машину и поехали из Нью-Йорка в Новую Англию смотреть The Glass House. Поместье, павильоны и концепция дома The Glass House – это целое поместье-лаборатория площадью около 47 акров в Нью-Кейнане, Коннектикут. Сам стеклянный дом Филип Джонсон хозяин и архитектор дома завершил в 1949 году, он сделал наружные стены полностью стеклянными и убрал внутренние перегородки — радикальный по тем временам жест. Внутри все объединено в единое перетекающее пространство с кирпичным цилиндром, скрывающий ванную и камин. «Стенами» служит сам пейзаж: дом одновременно стоит в ландшафте и является его частью. Но главное то, что Джонсон полвека достраивал вокруг дома «павильоны», постройки, каждая из которых была экспериментом с формой и идеей. Так поместье превратилось в целый архитектурный кампус: ▫️Brick House — «глухой» кирпичный дом-компаньон напротив стеклянного, гостевой и одновременно прячущий инженерию. Стекло и кирпич как пара: прозрачность и закрытость. ▫️Pavilion on the Pond — миниатюрный павильон у искусственного пруда; его арки предвосхищают будущий Линкольн-центр Джонсона, но нарочно уменьшены в масштабе. ▫️Painting Gallery и Sculpture Gallery — здания под коллекцию искусства. ▫️Ghost House — «дом-призрак» из оцинкованной сетки-рабицы, сделанный для садоводства Дэвида Уитни. ▫️Lincoln Kirstein Tower — башня-скульптура, посвящённая другу Джонсона, сооснователю New York City Ballet. Джонсон любил взбираться на неё, называя это «лестницей в никуда» с ощущением «безопасной опасности». ▫️Da Monsta — привратный павильон из «искривлённых» красно-чёрных блоков, поздняя, почти экспрессионистская вещь. По сути, всё поместье-лаборатория, где Джонсон экспериментировал с разными способами жить. Он и его партнёр обитали в разных постройках, разбросанных по участку. Именно поэтому критики иронизировали, что стеклянный дом не столько жильё, сколько «салон», приёмная для гостей. Хозяин и его партнёр Филип Джонсон (1906–2005) был одной из самых влиятельных и противоречивых фигур американской архитектуры XX века. Он был архитектором, куратором и первым в мире директором музейного департамента архитектуры в МоМА. Его партнёр — Дэвид Уитни (1939–2005), арт-куратор, коллекционер и критик. Они были парой 45 лет вплоть до смерти с разницей в пять месяцев в 2005 году. Уитни вёл очень закрытую жизнь и вне арт-мира был мало известен, хотя был близким другом Энди Уорхола. Именно он формировал художественную часть поместья: отбирал и приобретал работы, знакомил Джонсона с новыми именами и вёл коллекцию в сторону послевоенной абстракции и поп-арта. В галереях поместья оказались Уорхол, Раушенберг, Фрэнк Стелла, Джаспер Джонс, Лихтенштейн, Синди Шерман, Джулиан Шнабель. Салон и культурный контекст Чтобы понять салон Glass House, надо держать в голове контекст Нью-Йорка, ставшего после войны мировой столицей искусства. Абстрактный экспрессионизм, затем поп-арт, Уорхол и его Factory, авангардный танец и музыка. Джонсон стоял в самом центре этой сети связей: он строил славу не столько на едином стиле, сколько на харизме и знакомствах с иконами культуры, а Уитни связывал его с элитой арт-мира. По выходным поместье превращалось в салон, куда из Нью-Йорка съезжались художники, архитекторы, критики, коллекционеры, среди которых Энди Уорхол, Фрэнк Стелла и Роберт А. М. Стерн. Джонсон, как хозяина был блестящий, но капризный. Гостей он мог называть «рыбами», которым «положено продержаться максимум три дня». Фраза многое говорит о смеси гостеприимства и высокомерия, на которой держался этот салон. Джонсон умер в 2005-м прямо внутри Glass House, а через два года поместье открылось для публики.

Latent-to-4D Генерация динамических 4D-сцен из текста и картинок без промежуточного RGB-декодинга. Вместо RGB-декодинга берет финальный латент видео-DiT и поднимает его сразу в явную 4D-сцену На выходе камеры и динамические карты точек в мировых координатах. • Text-to-4D - сцена из текста, 81 кадр с камерами и динамической геометрией • Image-to-4D - первый кадр задаёт внешний вид и композицию • Audio-driven 4D - аудио управляет лицом, телом и камерой • Video-as-prompt 4D - перенос стиля/трансформации из демо-видео • Pose-controlled и motion-controlled анимация - скелет или траектории точек ведут движение • 4D-симуляция для робоманипуляций Гитхаб ждем #textto4d #imageto4d #4d

Нашел очень полезную статью про то, как исопльзовать цвет и градиенты в научной коммуникации. В ней рассказывается, как "красивые" градиенты могут менять смысл данных из-за особенностей восприятия цветов глазом. Ну и, конечно, какие градиенты остаются видны для людей с особенностями восприятия цвета. https://www.nature.com/articles/s41467-020-19160-7 Там много полезных советов, в частности гайд по выбору правильного градиента в зависимости от типа данных. Некоторые вещи мне были совсем не очевидны! Кстати, последнюю нашу статью я проверял специально, что все иллюстрации доступны людям с дальтонизмом и прочими особенностями цветового восприятия: https://mariechatfield.com/simple-pdf-viewer/ Было сложно! Пришлось поменять довольно много цветов, чтобы оно было как-то видно. Но в конечном итоге было ок.

На фотографии – пульт от моего телевизора. Ему лет десять, он похож на предыдущий и, надеюсь, он не будет похож на следующий.   Сейчас, к счастью, эра классических ТВ-пультов уходит. Я держал их в руках годами, но если быть честным - понятия не имею, зачем нужны 80% этих кнопочек. Тем более, всегда можно выйти в меню и там натыкать, что угодно.   Этот вопрос волновал не только меня, но и Мартина Линдстрома, которому однажды повезло путешествовать вместе с инженером компании, разрабатывающей пульты. Разгадка оказалась не в эргономике, а в психологии корпоративных войн.   Пульт один, и он маленький. А телевизор — это не просто экран, а конгломерат сервисов: кабельное, стриминг, интернет, приложения, игры и т.д.   Каждая из этих фич приносят деньги. Каждой занимается отдельный дивизион внутри корпорации. И для руководителей этих направлений пульт не средство управления, а самая дорогая недвижимость в мире. Все хотят иметь свой, пусть и маленький кусочек.   Поэтому инженеры, отвечающие за разработку пультов, искренне гордятся результатом: «Смотрите, как виртуозно мы впихнули и поделили пространство между всеми игроками!». Потому что пользователь далеко, а всякие вице-президенты весьма близко.   Пульт - это такая овеществленная иллюстрация закона Конвея: "организации проектируют системы, копирующие структуру коммуникаций внутри этой организации".   Я стал специально проверять – и да, в каждой компании можно найти собственный «пульт». Такой памятник корпоративным интригам, условностям и амбициям. Эти объекты имеют глубокий смысл внутри конкретного ООО, но абсолютно чужды и даже враждебны для покупателей.   (пульт от Apple TV хвалим в комментах 😉) | MAX | подкаст | | Личная жизнь и мысли - Молчанов.Life |

«Похмельная Мона Лиза» и суд, который решил, что ИИ убивает авторское право Только недавно обсудили, как одну мадам уволили за "слив данных в DeepSeek", как появилось свежее решение Пресненского районного суда Москвы (дело № 02-4220/2025) по ИИ и творческий вклад. Речь о производных работах: «Мона Лиза с вином» и «Статуя Свободы с вином». Дизайнер взял известные изображения, внес изменения с помощью ИИ (бокал вместо факела, растрепанные волосы, мешки под глазами, патчи и т.д.) и назвал результат своими арт-объектами. Предприниматель начал продавать мерч (футболки) с этими изображениями. Дизайнер пошел в суд за компенсацией. И суд ему отказал. Ключевая фраза: изменения внесены с помощью искусственного интеллекта БЕЗ творческого вклада —> поэтому объекты не могут быть самостоятельными объектами авторских прав. Что именно не так с этой логикой? Суд выстроил рассуждение вокруг трех критериев авторского права (база типа): 👉 авторское право есть когда = есть человек (автор), результат выражен в объективной форме и есть творческий фактор. Структура в целом правильная. Проблема - в наполнении и логике суда на мой взгляд. 1. Про «значительную роль» программы Суд написал, что если компьютерная программа играет значительную роль, то творчества нет. В законе такого критерия нет. Пленум Верховного суда прямо говорит: творческий характер не зависит от того, создано произведение собственноручно или с использованием технических средств. Автоматическая камера видеонаблюдения - да, не творчество. Но генеративный ИИ - совсем другая история. Раньше в фотошопе и до ИИ можно было очень сильно что-то преобразить - программа сама по себе НЕ критерий 2. Про «просто механические команды» Суд назвал работу с промптами простыми механическими действиями. Без исследования самих промптов, итераций и того, как именно отбирался результат. В других юрисдикциях суды как раз смотрят на этот процесс детально. 3. Про новизну и уникальность Суд подробно объясняет, что идея «похмельной Моны Лизы» и «Статуи Свободы с бокалом» не нова. Но требование новизны и оригинальности - это критерии патентного права, а не авторского. В авторском праве отсутствие новизны само по себе не лишает охраны. Это тоже прямо написано в разъяснениях Пленума. Суд этот абзац процитировал частично и как будто не заметил. 4. Презумпция творчества Сначала суд ссылается на презумпцию (результаты предполагаются творческими, пока не доказано иное), а потом говорит, что истец сам должен доказать творческую составляющую. Логический кульбит получился красивый - но бестолковый. В итоге Суд фактически приравнял работу с генеративным ИИ к отсутствию творчества. При этом не исследовал, как именно создавались объекты, какие были промпты, сколько итераций, какой вклад вносил человек. Позиция спорная и надеюсь будет изменена вышестоящими инстанциями. А как вы считаете: где проходит граница между «использовал инструмент» и «ИИ все сделал сам»? И должен ли суд вообще требовать доказательств творчества, если есть презумпция?

Проектирование дизайна как создание объяснения Прошу своих студентов придумать, как должна выглядеть и работать следующая версия их продукта. Они пишут, мол, там будет то и сё, и надо будет учесть это и это. Кажется, они думают, что они всё понимают, а я всё никак не удовлетворюсь их ответами. Периодически даже звучат слова вроде «давай мы сделаем прототип или даже навайбкодим тебе». А я говорю, да погодите, вы мне объясните сперва! Я верю в идею «кто ясно мыслит, тот ясно излагает», поэтому если вы правда способны сделать прототип, то значит вы понимаете, как всё должно работать, и можете это рассказать. По моему опыту, многие дизайнеры даже не осознают того, что у них в голове нет целостной картины продукта. При этом иногда чтобы что-то придумать, нужно какое-то время порисовать или попрограммировать, как бы пощупать задачу разными способами — это я понимаю. Я не против никаких промежуточных прототипов, если так удобнее думать, но в качестве результата я хочу описание системы. В общем, наша переписка продолжается какое-то время. Они уже пишут подробный текст, но им всё ещё моя просьба кажется удивительной: «Неужели тебе правда это удобнее, чем макет или прототип? На макете же сразу видно, где что!» Да, но не видно, почему! Какой толк от прототипа? Ведь из я прототипа ничего не пойму. Я буду видеть, что что-то как-то сработало, но я не увижу внутренних причин. У меня всю жизнь так было, я терпеть не мог прототипы, потому что я с ними как слепой. Как мне увидеть и осмыслить саму систему, а не отдельные её случайные проявления, до которых я докликал? За прототипом очень легко спрятать, что у вас ничего не продумано. После прочтения Дойча я понимаю, почему так: прототип — не объяснение. Что толку физику от результатов опыта, если у него нет объяснительной теории, которую эти опыты подтверждают или опровергают? Это же просто рандомные факты, вызывающие лишь недоумение. Чтобы понимать, почему они такие, мне нужно открыть, то есть придумать закон, который бы их объяснил. Но если мне самому нужно придумывать закон, глядя на эффекты его воплощения в прототипе, то в чём тогда была работа дизайнеров? Я ж как раз изначально попросил их придумать этот закон! А в итоге вынужден его придумывать я. Если вы его реально придумали, так просто расскажите. А если у вас только прототип, то вы его, скорее всего, просто не придумали. Это всё снова показывает, насколько качественное проектирование близко к придумываю законов физики.

Илья Бирман нашел твит американского дизайнера Тобайаса ван Шнайдера: As a Designer, if you care about making well-designed things, you should surround yourself with well designed things in your life. You'll absorb more than you think. The watch you wear, your furniture, the car you drive, the software you use... everything you passively use throughout the day becomes a reference point, or think of it as a baseline of the standard you hold yourself to in your own work. And no, this doesn't mean only buying expensive things. Well designed doesn't necessarily mean costly, it just means well considered. Live among things made by people who deeply cared, because its contagious (: Но я не согласен. Если будешь окружать себе аккуратными вещами, то и будешь вариться в своем пузыре и производить многократно переваренные смыслы. Дизайн — уникальная профессия, в которой _вредно_ сидеть в своей студии, потому что это профессия в первую очередь про людей. Так что нужно идти, смотреть, впитывать, читать книги, слушать музыку, смотреть пьесы, читать стихи, смотреть на картины. Худшее, что может сделать дизайнер — окружить себя продуктами жизнедеятельности других дизайнеров. Дизайн про людей, а людей в студии не найдешь.